Le Septantecinq École Supérieure des Arts de l’image

L’orientation Peinture propose de développer un langage plastique alliant plusieurs disciplines artistiques et accordant une importance manifeste aux réalités contemporaines tournées vers cette diversité de moyens. Les préoccupations de l’art contemporain ont transformé le cadre classique du champ de la peinture, de plus en plus celle-ci cohabite avec les formes artistiques telles que l’art in situ, la performance, l’art sonore, l’art vidéo, l’art numérique…

L’atelier est un espace d’exploration pluridisciplinaire qui offre à l’étudiant.e l’opportunité de porter de l’intérêt à l’égard de ses propres ressources personnelles et de l’héritage de l’art contemporain (expérimentations liées à sa propre histoire) et de cultiver sa curiosité à travers les formes artistiques les plus diverses. C’est aussi un cadre qui permet d’apprendre à gérer les temps différents que constituent la création artistique. Ces temps, en effet, essentiels invitent à regarder en profondeur plutôt que de voir en surface.

Durant le cursus, l’étudiant.e  est incité.e à s’engager dans des actions fortuites, spontanées, afin de découvrir, explorer et transgresser les frontières entre les différents paramètres plastiques, picturaux, performatifs  et spatiaux. Iel est amené.e à tenir compte des accidents et des imprévus, les comprendre et se les réapproprier. L’ensemble du cursus est composé de temps de travail d’atelier continu dans lequel s’inscrivent des semaines atypiques composées de workshops. Ces workshops sont des moments destinés à explorer différents types de recherches plastiques.

S’engager dans une préoccupation plastique, c’est comprendre et développer son processus de création, travailler la conception ou la création de procédés, systèmes, méthodes et gestions de projets. Mais aussi, porter un intérêt et mener une réflexion à l’égard des espaces permettant la présentation et la diffusion du travail.

Afin d’élaborer un système de recherche cohérent autour de son travail, l’étudiant.e est familiarisé.e avec l’actualité culturelle.

L’équipe pédagogique se compose d’enseignant.e.s ayant, selon leurs parcours, des visions singulières du domaine. L’étudiant.e peut ainsi proposer son travail à différents points de vue, développer son sens critique et se créer sa propre opinion.

esale75_peinture
https://blogpeinture.le75.be

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• Modalité d’évaluation : continue

• Méthode d’intégration : 50% de la note finale de l’UE correspond à une moyenne des notes obtenues en évaluation continue dans les différentes AA.

  50% de la note finale est donnée par le jury (évaluation artistique de fin d’année).

• La note absorbante est de 10/20

Bachelier 1

15 Ects

• Continue : 50% de la note de fin d’année.

• Acquérir les bases de son propre langage plastique.

• Observer et analyser.

• Remettre en question des stéréotypes et présupposés de la peinture et des arts de l’espace.

• Développer un esprit critique et développer une capacité à opérer des choix.

• Entamer un travail plastique personnel, acquérir de l’autonomie.

• Ramener son univers personnel dans l’atelier (préoccupations, passions, intérêts…).

• Apprendre à composer avec des contraintes.

• Entamer un travail personnel et développer une ouverture d’esprit.

• Découvrir et explorer sa singularité.

• S’interroger sur sa méthode de travail.

• Exploiter et expérimenter les acquis d’apprentissage au profit de ses intentions.

• Collaboration avec les cours techniques.

• Collaboration avec les cours théoriques.

• Développer une réflexion sur la notion de picturalité, couleur, support & medium, corps & espace.

• Apprendre à distinguer, nommer et expérimenter les différents paramètres tels que : plan, perspective, médium, outil, geste.

• Apprendre à composer avec des contraintes.

• Expérimenter.

• Développer une réflexion sur la notion de couleur.

• Apprendre à distinguer, nommer et expérimenter les différents paramètres tels que : classification de la couleur, les valeurs, le mélange, la clarté, les teintes, les intensités, les chromas, la luminosité.

• Développer une réflexion sur la notion de support.

• Apprendre à distinguer et expérimenter les différents paramètres du support tels que : nature, densité, taille, poids, dispositif d’accrochage et d’installation.

• Découvrir un maximum de supports possibles.

• Apprendre à construire et à préparer son support.

• Développer une réflexion sur la notion de médium et de matériau.

• Apprendre à distinguer et expérimenter les différents paramètres du médium et du matériau tels que : nature, transparence, translucidité, opacité, densité…

• Accompagnement individualisé par l’équipe pédagogique et les intervenant.e.s.

• Participation, temps de recherche et réalisation en atelier.

• Séances régulières individuelles et collectives durant lesquelles l’étudiant·e présente l’état d’avancement de son travail et ses recherches.

• Maintien hebdomadaire d’un carnet de recherches et de références.

• Visites d’expositions en groupe et en individuel.

• Exercices d’accrochage.

• Analyse critique et présentation en groupe.

• Participation aux semaines atypiques.

• Mise en commun des recherches et discussions de groupe.

• Rencontres et workshops avec des artistes et des personnalités du monde de l’art.

• Faire preuve d’une juste compréhension des objectifs de l’atelier.

• Cohérence et créativité.

• Prise en compte des remarques et discussions avec l’équipe pédagogique.

• Questionnement des enjeux de son travail.

• Capacité autocritique.

• Attention portée à la réalisation des travaux et de leurs présentations.

• Construction d’un langage singulier.

• Avancement du carnet de recherche et références Assiduité et présence.