Le Septantecinq École Supérieure des Arts de l’image

L’atelier Peinture de l’École Supérieure des Arts de l’image LE 75 est un espace d’exploration pluridisciplinaire qui offre à l’étudiant·e l’opportunité de porter de l’intérêt à l’égard de ses ressources personnelles et de l’héritage de l’art contemporain ainsi que de cultiver sa curiosité à travers les formes artistiques les plus diverses. L’atelier propose de développer un langage plastique alliant plusieurs disciplines artistiques et accordant une importance manifeste aux réalités contemporaines tournées vers cette diversité de moyens.

Les préoccupations de l’art contemporain ont transformé de plus en plus le cadre classique du champ de la peinture, celle-ci cohabite avec les formes artistiques tels que l’art in situ, la performance, l’art sonore, l’art vidéo, l’art en ligne… C’est aussi un cadre qui permet d’apprendre à gérer les temps différents que constitue la création artistique. Ces temps, en effet essentiels, invitent à regarder en profondeur plutôt que de voir en surface.

Durant le cursus, l’étudiant·e est incité·e à s’engager dans des actions fortuites, spontanées, afin de découvrir, explorer et transgresser les frontières entre les différents paramètres plastiques, picturaux, performatifs et spatiaux, ainsi qu’à tenir compte des accidents et des imprévus, les comprendre et se les réapproprier. L’ensemble du cursus est composé de temps de travail d’atelier continu dans lequel s’inscrivent des modules qui sont des espaces destinés à se concentrer sur des critères propres au travail plastique.

Afin d’élaborer un système de recherche cohérent autour de son travail, l’étudiant·e est familiarisé.e avec l’actualité culturelle à travers des lectures, visites et rencontres avec des professionnel·les du terrain. L’équipe pédagogique se compose d’enseignant·es ayant, selon leurs parcours, des visions singulières du domaine. L’étudiant·e peut ainsi exposer son travail de différents points de vue, développer son sens critique et formuler son opinion.

esale75_peinture
https://blogpeinture.le75.be

Le TFE (travail de fin d’études) se compose de trois partie:

• Évaluation continue sur toute l’année qui compte pour 50% de l’année;

• Jury externe en fin d’année académique (fin mai / début juin) qui compte pour 50% de l’année.

  L’évaluation du TFE de l’année diplômante s’effectue par des membres invit·ées, artistes et professionnel·les au niveau national et international. Ce jury évalue la qualité du TFE lors d’une exposition durant laquelle l’étudiant·e devra défendre son / ses projets artistiques. Les éléments mis à disposition du jury, en concertation avec les professeurs d’atelier, sont variables. Ils peuvent être de formes diverses : travaux artistiques, portfolio, images, textes, etc.

• Chaque cours d’atelier est noté en ayant recours à une évaluation continue. Cela prend donc en compte la note du premier quadrimestre et celle du second quadrimestre. La seule note du premier quadrimestre ne peut suffire à évaluer une année entière et valider la réussite. Afin d’établir la note du 2e quadrimestre, une remise préalable de l’ensemble des travaux est demandée avant la remise prévue des jurys (ce délai fixé pour chaque cours peut varier de 10 jours à quelques semaines).

Après cette remise préalable, une note est envoyée aux étudiant·es.Iels ont ainsi la possibilité de revoir leurs travaux. S’iels sont satisfait·es de cette note, ils ne sont pas tenus de modifier leurs travaux en vue du jury. Cette note préalable sera donc prise en compte directement. Si cette note préalable ne leur convient pas, iels peuvent représenter leurs travaux modifiés pour les dates du jury.

• La compréhension des consignes et des enjeux de celui-ci.

• Le respect des consignes et des délais imposés.

• La pertinence de la recherche graphique et des propositions faites.

• L’originalité de la forme, de l’interprétation / l’originalité du concept.

• La cohérence graphique : maîtrise des données plastiques et de la sensibilité esthétique / efficacité et qualité formelle.

• Le développement d’une singularité / prises de risques et initiatives personnelles.

• L’évolution de l’étudiant·e par rapport aux notions apprises / applications des savoirs faire vu en cours.

• La participation au cours / implication dans le développement des exercices.

• L’évolution du travail, l’investissement (effort et progrès) et la cohérence de l’ensemble.

• L’autonomie de l’étudiant·e et capacité à dépasser les consignes de façon intelligente.

• La présentation et finition des projets finaux.

• La capacité d’argumentation.

• Réaliser un travail plastique personnel.

• Développer une méthode cohérente de recherche et de travail.

• Savoir situer le travail dans son contexte (lieu, temps, époque, public…).

• Avoir conscience de sa démarche artistique.

• Clarifier les enjeux de son travail.

• Créer un dispositif de présentation de son travail.

• Communiquer ses intentions avec cohérence.

• Collaboration avec les cours théoriques.

• Collaboration avec les cours techniques.

• Réalisation d’un travail de fin d’étude.

• Comprendre et intégrer dans son travail plastique les différents paramètres tels que : espace, mouvement, action, temps, geste, environnement, public…

• Composer avec des contraintes.

• Expérimenter, documenter et archiver.

• Mise en forme d’une réflexion sur la notion de corps et d’espace.

• Composer avec des contraintes.

• Expérimenter, documenter et archiver.

• Concrétiser la réalisation d’un travail plastique personnel.

• Organiser et gérer les critères relatifs au processus de création (temps, moyens, documents, archives).

• Situer sa démarche plastique dans le monde de l’art contemporain.

• Gérer les méthodes de présentation et de diffusion de son travail plastique et de son processus de création.

• Être capable de faire des liens entre son travail plastique personnel et les cours théoriques et techniques.

• Compréhension et mise en forme de la notion d’espace, mouvement, action, temps, geste, environnement, public dans un travail plastique personnel.

• Être capable de documenter et archiver ses actions.

• Argumenter son travail oralement et par écrit, communiquer par rapport à ses choix.

• Mettre en avant l’expérimentation dans son processus de création.

• Utiliser la contrainte dans son processus de création.

• Être ouvert à la discussion, à la critique et aux différents points de vue.

• Recherches et présentations de références artistiques liées au travail plastique personnel.

• Rendez-vous réguliers individuels et collectifs avec les enseignants et les intervenants.

• Rencontre avec des personnalités du monde de l’art.

• Suivi individuel de l’étudiant pour une exploration des matériaux relatifs à la mise en place du projet.

• Confection d’un carnet de référence et maintien hebdomadaire de sites web.

• Visites d’expositions en groupe et en individuel.

• Présentations collectives et dialogue autour des directions prises dans le travail.

• Exercices de durée variée.

• Temps de recherche et réalisation en atelier.

• Rencontres et workshops avec des personnalités du monde des arts vivants.

• Mise en commun des recherches et discussions de groupe.

• Séances régulières individuelles durant lesquelles l’étudiant(e) présente l’état d’avancement de son travail et de ses recherches.

• Analyse critique en groupe et présentation publique.

• Évaluation continue

• Évaluation partielle en fin de 1er quadrimestre.

• Évaluation partielle en fin de 2eme quadrimestre.

• Évaluation par un jury artistique externe à l’issue du premier et second quadrimestre.

• Évaluation du TFE

• Pas de possibilité d’examen en septembre.

• Pertinence du travail artistique et de sa mise en forme.

• Gestion du temps.

• Prise en compte des consignes.

• Compréhension des enjeux de son travail.

• Situer sa production artistique en rapport au monde.

• Capacité autocritique et argumentation orale et écrite de son travail.

• Cohérence et créativité.

• Qualité des travaux réalisés et de leur présentation.

• Assiduité et présence.